ИЗ ЖИЗНИ УРАЛЬСКОГО ИСКУССТВА...

ПРЕДИСЛОВИЕ  

К этому материалу в качестве «инструкции к прочтению» предложена небольшая пояснительная записка. 

В этих текстах помимо биографических справок также представлен авторский анализ событий уральской художественной сцены с 1890-2010-е гг. Сохраняя формат энциклопедии, авторка предлагает читателям ознакомиться с основными профессиональными событиями в жизни уральских художников.

Структура большинства биографий едина, – таким образом, можно пройтись по основным вехам жизни в творчестве авторов. Также каждая биография индивидуальна – и в плане содержания, и в плане выбранного подхода. 

Охватить 120-летний период уральского искусства во всех лицах и частях довольно крупного региона, описав основные вехи жизни художников, – не задача данной работы. В этой подборке вы можете познакомиться лишь с некоторыми авторами, углубив и систематизировав собственные знания об их жизни и об уральском искусстве в целом. Отбор биографий художников и выбор метода изложения информации стали настоящими творческими задачами для авторки данного исследования, наделенной возможностью рискнуть и рассказать собственную версию истории развития изобразительного искусства на Урале в персоналиях. 

Итогом работы становится введение в историю уральского искусства — карта художников, истории и регалии которых помогут лучше ориентироваться в разных периодах истории местного арт-сообщества, знания о котором необходимо собирать дальше.

ИЗ ЖИЗНИ УРАЛЬСКОГО ИСКУССТВА: ЛИДЕРЫ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ СЦЕНЫ В 1890 — 2010-Е ГОДЫ 

Столетие уральского искусства обозначено рядом имен и явлений, появление и развитие которых не стоит рассматривать как монолитный и равномерный процесс. Художественная сцена уральских городов динамична, однако скорость и обороты, близкие сегодняшнему дню, начинает набирать лишь во второй половине ХХ века. 

Образование художников и их профессиональный путь с 1917 года по 1990-е годы были определены советской идеологией и партийной системой. Внутри этой политической парадигмы можно также проследить динамику: через становление социалистического реализма вырабатывается стилистика и укрепляются жанры. Последовавший после творческий застой и общая атмосфера усталости в обстановке приводит к вырождению устоявшихся тем, поиску нового, концентрации на личном. Уже позже, через критику партии и новые арт-практики, во многом ставших явным проявлением художественного сопротивления авторов, появляется новый объединяющий художников импульс — отсылки к мировой истории искусств, поэтика повседневности, далекой от сталинского ампира. 

С начала 1970-х годов, художественная среда Урала начинает активно пополняться новыми именами и направлениями в искусстве. Художники, получившие академическое образование, начинают акцентировать внимание на индивидуальной манере, экспериментировать с формой. Обмен опытом становится возможным не только благодаря школам, училищам или академии, но и в частных студиях, благодаря которым появляются так называемые самодеятельные художники, кружки по интересам. Во многом в связи с  появлением подобных мест уже в перестроечный период появляется уральский андеграунд. 

За всеми этими процессами стоят люди, сделавшие свой вклад в развитие уральской художественной сцены. На этапах формирования уральского искусства с 1890 по 2010-е гг. в каждом периоде были свои лидеры, яркие представители арт-среды региона. В этой версии истории уральского искусства вы сможете познакомиться с биографиями лишь некоторых авторов ХХ века, влияние которых стало ключевым для местного сообщества в дальнейшем. Предлагаю начать рассказ последовательно, с 1890-х годов, с имени Алексея Ивановича Корзухина, чья живописная работа «Женский портрет» (1892) является одним из старейших произведений, находящихся в коллекции Галереи Синара Арт.

СТАНОВЛЕНИЕ УРАЛЬСКОГО ИСКУССТВА:  ПОЯВЛЕНИЕ ПЕРВЫХ КРУПНЫХ АВТОРОВ С 1890-Х ПО 1920-Е ГГ. 

Про художников первой половины ХХ века авторке текста было известно в меньшей степени, поскольку и научный интерес, и художественный язык, и бег времени выстраивают определенную дистанцию. Тем не менее, погружение в судьбы, в исследования этого периода, дали понять как особенно важен был индивидуальный жизненный путь каждого художника – первопроходца в своем деле. Это был период, когда местная художественная школа только начала формироваться. Вклад Алексея Корзухина, Леонарда Туржанского, Алексея Денисова-Уральского, Ивана Слюсарева нельзя переоценить: это первые движения в сторону самостоятельного профессионального художественного поиска, выстроенного на собственном понимании уральской идентичности. 

Уральский передвижник Алексей Иванович Корзухин (1835-1894)

Одним из первых крупных авторов на Урале стал Алексей Иванович Корзухин — екатеринбургский живописец, окончивший в 1863 году Императорскую Академию художеств в Санкт-Петербурге и поучаствовавший в важнейших событиях для художественной среды Российской империи во второй половине XIX века. Благодаря известному уральскому живописцу, активному участнику Товарищества передвижников, в крупных городах Урала начала зарождаться местная художественная сцена. 

Алексей Корзухин родился в Екатеринбурге 11 марта 1835 года в семье крепостного промывальщика золота, до 23 лет прожил на Урале. Как отмечают исследователи творчества художника, уже в раннем возрасте брал уроки у местных иконописцев и в 1840-е годы писал иконы для местной Преображенской церкви и портреты родных. С 1848 года работал на Нижне-Исетском железоделательном заводе и Екатеринбургском монетном дворе. На художественный талант молодого человека обратил внимание начальник горных заводов В. А. Глинка и помог юноше в поступлении в горно-заводское училище. Будущему художнику необходимо было получить среднее образование, чтобы поступить в высшее учебное заведение — Императорскую Академию художеств в Санкт-Петербурге. В 1858 году он поступил в Академию художеств, где проучился вплоть до 1863 года в классе исторической живописи у П. В. Басина, Ф. А. Бруни, А. Т. Маркова. За годы учебы в Академии получил 6 серебряных и 2 золотых медали. 

В 1861 году после получения малой золотой медали за картину «Пьяный отец семейства», Корзухину предстояло конкурировать за большую золотую медаль, которая давала право на пенсион, необходимый для дальнейшего обучения за границей. В 1863 году вместе с несколькими своими товарищами, не пожелавшими работать на заданную конкурсную тему, он вышел из Академии со званием художника 2-й степени. Событие приобрело большую огласку и стало известным сюжетом в истории искусств под названием «бунт четырнадцати». Однако несмотря на отчаянный шаг для отличника, именно  участие в бунте стало точкой карьерного взлета художника. После него Алексей Корзухин стал членом-учредителем «Петербургской артели художеств» под руководством Ивана Крамского, которая укрепила вокруг себя несогласное с академической программой художественное сообщество Санкт-Петербурга. В 1860-е гг. формируется узнаваемая реалистическая манера автора, подмечающего типажи и характеры героев своих произведений. 

С 1864 года начал преподавать в рисовальной школе при «Обществе поощрения художников», поддерживаемой императором Александром II. Для императорской семьи и других аристократов писал портреты на заказ. Приближенность к царской семье сыграла свою роль: в 1881 году Корзухин стал невольным свидетелем убийства народовольцами Александра II, после чего испытал тяжелое нервное потрясение, много болел, но продолжал активно работать. В последний год своей жизни написал царские портреты Александра II и Александра III.

В 1870 году стал членом-учредителем Товарищества передвижных художественных выставок. Последнее событие дало возможность художнику вернуться в родной Екатеринбург с серией выставок и представить зрителям Урала лучших столичных художников. 

В дальнейшем и отношение Академии к художнику налаживается. Так, в 1865 году за картину «Поминки на деревенском кладбище» Корзухин был повышен в звании художника 1-й степени, а в 1868 году за «Возвращение отца семейства с ярмарки» признан Академиком. 

Предпочтение в живописи отдавал преимущественно бытовому жанру, также был силен в портрете и религиозной живописи. Участвовал в живописном убранстве московского храма Христа Спасителя с 1875 по 1877 годы. Также исполнял заказы по росписи храмов в Риге, Ельце, Херсонесе, роспись церкви Вознесения Христова в Крыму над Форосом. Произведения Корзухина экспонировались на Всемирных выставках в Лондоне (1862, 1872), Филадельфии (1876), Париже (1878), на Сибирско-Уральской научно-промышленной выставке в Екатеринбурге (1887). 

Умер в Петербурге 18 октября 1894 года. В 1940 году его прах был перенесен с Никольского кладбища в некрополь мастеров искусств при Свято-Троицкой Александро-Невской Лавре.

Благодаря заметному таланту Алексея Корзухина и его включённости как участника Товарищества передвижных выставок в художественную жизнь регионов, творческий путь художника складывается наилучшим образом и заметно влияет на развитие уральской художественной сцены XIX века. 

Становление уральской идентичности в искусстве: художественная стратегия Алексея Козьмича Денисова-Уральского (1864-1926)

Еще одним заметным уральским автором, положившим начало развитию художественной жизни Екатеринбурга и его окрестностей, является Алексей Денисов-Уральский, сын потомственно резчика по камню. Творческий путь художника во многом определило наследие отца и деда — резьба по камню и скульптура в целом стала его основным видом искусства. Активно ведущий выставочную деятельность на рубеже XIX-XX веков Денисов-Уральский наполнял творческую жизнь столицы и уральских городов, воспевая богатство горных пород Урала, его виды и окрестности. Впервые тема Урала стала в живописи главным лейтмотивом и самостоятельным явлением, повлиявшим в дальнейшем на местных пейзажистов. Деятельность художника дала начало конструированию идентичности уральского региона. 

Алексей Денисов родился 6 февраля 1864 года в Екатеринбурге, в семье потомственного резчика по камню. Дед Алексея, горнозаводской крестьянин-старообрядец Осип Денисов был добытчиком и известным мастером камнерезного дела. Отец Алексея, Козьма, более двадцати лет проработал в шахтах Березовского завода, потом переехал с семьей в Екатеринбург. С 1856 года Козьма Денисов занимался «рельефным» делом — изготовлением «наборных» картин, «насыпных» икон, горок-коллекций. В 1872 году он экспонировал на Политехнической выставке в Санкт-Петербурге «Горку минералов уральского хребта, представляющую медные руды с их спутниками, в жилах, так же месторождения золотых, свинцовых, серебряных, медных и других руд» высотой около 70 см. На следующий год «картины из уральских минеральных пород» он демонстрировал уже на Венской всемирной выставке. 

Во многом опыт предков определил начало и развитие творческого пути Алексея Козьмича, ставшего профессиональным мастером камнерезного дела,  получившим признание на всемирных выставках, и позднее открывшим для себя живопись. 

Только в конце 1880-х годов он отправился в Санкт-Петербург, уже к тому времени имея за плечами опыт участия в крупных национальных и международных выставках в Москве (1882), Екатеринбурге (1887), Копенгагене (1888), Париже (1900), чтобы учиться живописному искусству. Освоил масло и акварель в рисовальной школе при Обществе поощрения художников, в которой в то время преподавал Алексей Корзухин. В Санкт-Петербурге Алексей Денисов создавал рисунки для периодических изданий, подрабатывал художником-оформителем в училище технического рисования барона Штиглица.

Рубеж веков отмечен для художника рядом знаменательных событий, изменивших его творческую и частную жизнь. В это время художник создал семью, окрепла его дружба с Дмитрием Маминым-Сибиряком, оказавшим большое влияние на его становление. По примеру писателя, в 1900 году Денисов добавил к своей фамилии важный для него топоним — «Уральский». После успеха на Всемирной выставке 1900 года в Париже, открыл в Екатеринбурге первую персональную выставку «Урал в живописи» (1900), закрепляя значение взятого топонима. В 1901 году выставка переехала в Пермь. 

С 1900 по 1904 годы активно вел выставочную деятельность в Уральском регионе. 

В 1903 году открыл «Горнопромышленное агентство по распространению полезных ископаемых России А. К. Денисов (Уральский) и К°» в Петербурге и Екатеринбурге. Представленный ассортимент был разнообразен: отдельные образцы и коллекции минералов, камнерезные изделия и ювелирные украшения, живопись и графика.

В 1904 году успешно прошла выставка в Москве «Урал и его богатства». В этом же году участвовал во Всемирной выставке в американском Сент-Луисе. Получил Большую серебряную медаль, но и тяжелое разочарование: живописная часть отправленной коллекции не вернулась.

Следующие годы посвящены напряженной работе — развивались магазин и мастерские, выполнялись заказы ведущих ювелирных фирм Европы, живописные полотна и графические листы экспонировались на ежегодных выставках, шла работа по подготовке новой большой экспозиции. 

Открытая в январе 1911 года в Петербурге выставка «Урал и его богатства» стала настоящим триумфом — за время работы её посетило множество жителей и гостей столицы, неоднократно появлялись в выставочных залах представители правящей династии и высокопоставленные зарубежные гости. Благодаря этой выставке завязываются прочные деловые отношения с парижской фирмой Cartier. Успех выставки и развитие предприятия позволили подумать о расширении торговых площадей. В конце 1911 года он купил помещение на престижной Морской улице, в доме 27. Соседями уральца с этого времени стали ведущие ювелирные фирмы России — Фаберже, Овчинниковы, Тилландер.

В 1912 году художник стал одним из соучредителей «Общества для содействия развитию и улучшению кустарного и шлифовального промысла „Русские самоцветы“», на основе которого появилось знаменитое петербургское предприятие, специализирующееся на обработке поделочных камней.

Начало Первой мировой войны, потери русской армии и страдания народа заставили художника по-новому взглянуть на своё творчество. Он принял участие в благотворительной выставке живописцев. События сподвигли его обратиться к камню и заняться созданием особой серии аллегорических изображений воюющих держав. Эти произведения стали основой последней прижизненной выставки мастера. Все средства от продажи входных билетов были переданы в пользу русских солдат и общества попечения о детях.

В начале 1918 года Денисов-Уральский, как и многие жители дач на Карельском перешейке, оказался в невольной эмиграции на территории независимой Финляндии. Его последние годы были омрачены безуспешными попытками создания в Екатеринбурге своего музея и тяжелой душевной болезнью, которая привела его в лечебницу в Выборге. Скончавшийся в её стенах в 1926 году, мастер был похоронен в православной части выборгского кладбища Ристимяки, уничтоженной в годы Второй мировой войны.

Отец уральской школы пейзажа Леонард Викторович Туржанский (1874-1945)

Известный уральский пейзажист Леонард Туржанский, ученик Валентина Серова и Константина Коровина, стал основополагающей фигурой в формировании уральской художественной среды. Преподавательский дар Туржанского объединил вокруг него сообщество художников, ставших мастерами уральского пейзажа — самого востребованного жанра у местных зрителей. Авторы, начавшие свою художественную карьеру благодаря Туржанскому, нередко вспоминали о своем учителе, вдохновляясь его безмерным талантом и особой манерой жить, оставаясь художником в любых обстоятельствах. 

Леонард Туржанский родился 30 сентября 1874 года в Екатеринбурге в семье врача. Еще в раннем детстве художника был виден талант к рисованию. Начиная с 1889-го года, следующие шестнадцать лет своей жизни он посвятил обучению искусству. 

С 1889 по 1895 годы учился в Екатеринбургском реальном училище, одновременно занимался живописью у известного художника-профессионала Николая Плюснина, выпускника Академии художеств. С 1895 по 1897 годы учился в московском Строгановском училище, после чего в 1898-1907 годы – в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у Василия Бакшеева, Алексея Степанова, Валентина Серова и Константина Коровина. Под руководством анималиста А. Степанова начал глубоко изучать животных, создавая огромное количество рисунков и этюдов.

Работая в училище, Туржанский много писал самостоятельно, особенно во время летних каникул. На выставке 1900 года им была показана картина «На пашне», о которой его учитель К. Коровин с восхищением говорил: «Он так пишет землю, что бери лопату и копай». Уже в 1905 году его ученические работы были приобретены Третьяковской галереей (например, «Север, тихий вечер» и другие).

С 1907 года одновременно участвовал и на выставках Союза русских художников вместе с К. Юоном, А. Степановым, А. Архиповым, А. Васнецовым и другими, а также на выставках передвижников. Его участие на передвижных выставках вместе с П. Петровичевым, С. Жуковским, В. Бялыницким-Бирулей встретило горячую поддержку И. Репина. С 1910 года являлся членом Союза русских художников, а с 1911 года – членом Товарищества передвижных художественных выставок. 

С 1911 по 1912 годы входил в первые ряды русских пейзажистов, имя его приобрело большую известность.

С 1912 года жил на Урале в Малом Истоке (под Екатеринбургом), где создал большинство своих произведений. Работал как в области портрета («Портрет писателя И. Бунина» (1905).; «Женский портрет» в Свердловской картинной галерее, «Портрет молодого человека» в Екатеринбургской галерее современного искусства), так и в области городского пейзажа («Свердловск. Улица Ленина», «Новый Свердловск»). Художник писал городской пейзаж не только в Свердловске, но и в Москве. В небольших работах ему удалось передать впечатление кипящей городской жизни.

После революции 1917 года стал членом Ассоциации художников революционной России (АХХР). Основной состав АХХР был из художников, бывших членов Товарищества передвижных художественных выставок и Союза русских художников. 

В 1919-1920 году занимался агитационной работой в Екатеринбурге, создавая крупные живописные панно для украшения улиц, плакаты, оформлял революционные праздники. С возобновлением после революции работы Екатеринбургской художественно-промышленной школы в 1919 году стал одним из ее преподавателей. Вел класс живописи. Его мастерская пользовалась наибольшей популярностью среди учащихся.

В 1920 году уехал жить в Москву. Однако каждую весну и лето проводил на своей даче в Малом Истоке. Его дача превратилась в своеобразную художественную школу для уральских художников. «Отец Леонард» — так называли его ученики. Постоянными гостями дачи в Истоке были Иван Слюсарев, Олег Бернгард, Николай Сазонов, Александр Кудрин, Алексей Узких, Константин Голиков, Николай Звездин, Степан Денисенко, Федор Хомяков, Виктор Зинов, Александр Минеев, Виктор Трясцин, Ираида Финкельштейн и другие. Молодые художники брали у него уроки живописи. 

В дни Великой Отечественной войны жил и работал на Северном Кавказе. В Екатеринбургской картинной галерее находятся три его этюда – улицы Тбилиси 1940-х годов. В феврале 1943 года приехал в Свердловск, в Исток. Его дача была летней, тем не менее, несмотря на сильные морозы и отсутствие дров, он не покинул своего дома, как и прежде, продолжал писать пейзажи. Здоровье его было подорвано, он тяжело заболел. Семья художника отвезла больного в Москву ближе к семье. 31 марта 1945 года умер в Москве от тяжелой болезни.

Уральский импрессионист Иван Кириллович Слюсарев (1886-1962)

Ивана Слюсарев – уральский художник, основным жанром в творчестве которого был пейзаж. Детально продуманный, с акцентом на характерные для Урала места: горы, скалы, бурные реки, озера, дали. Огромное влияние оказало его знакомство в ранней молодости и дружба с Леонардом Туржанским. Слюсарев, как последователь, обратился к плотной пастозной живописи, предпочел горизонтальной формат вертикальному, писал панорамы, следуя лучшим традициям русского пейзажа. 

Иван Слюсарев родился 17 июня 1886 года в деревне Черноскутово Камышловского уезда Пермской губернии в бедной крестьянской семье. При рождении будущего художника звали Иван Яковлев. Воспитывали дед с бабушкой. В 1898 году, когда Иван окончил школу, к бабушке в гости приехала ее младшая дочь Сима со своим мужем Кириллом Слюсаревым. Они отвезли его в Екатеринбург и усыновили. Так художник получил новое отчество — Кириллович, фамилию Слюсарев и стал работать подручным у своего приемного отца — приказчика в хлебной лавке. 

В 1900 году посещал вечерние курсы для рабочих Верх-Исетского завода, где черчение и рисование преподавал Николай Плюснин — художник, окончивший столичную Академию художеств. 

С 1903 по 1907 годы учился в Екатеринбургской художественно-промышленной школе. Среди его преподавателей — живописец Василий Коновалов, скульптор Теодор Грюнберг (Залькалнс), график Александр Парамонов. После окончания художественной школы за неимением средств к существованию сам начал работать преподавателем рисования. 

Художник стремился поехать учиться в столицу, но средств не хватало. Тогда он поменял курс на вхождение в художественную сцену России через художественные сообщества Петербурга. В 1912 году он участвует в Петербургской выставке молодых художников с картиной «Молитвенный дом вотяка». Дебют оказался успешным. 

В Екатеринбурге в 1923 году прошла первая персональная выставка, на которой художник представил около 160 произведений. 

Поиск единомышленников привёл в Ассоциацию художников революционной России (АХРР). В 1925-1927 годах он трудился заместителем председателя Уральского отделения АХРР, продолжая преподавать в разных учебных заведениях, и много занимаясь творчеством. 

В конце 1920-1930-х годов наступил плодородный период творчества. В эти годы он создает самые лучшие свои произведения: «Избушка на пригорке», «Старая ель на реке Чусовой» (1933), «С реки туман» (1935), «На Танагае» (1936) и другие. Все работы были написаны с натуры. В них выражена вся утонченность живописной техники автора, а также мастерство композиции.  Официальное признание художника произошло в 1932 году, когда он вступил – в Свердловское отделение Союза художников.

Талант художника многогранен – он пробует себя в создании архитектурных и интерьерных композиций, жанровых сцен и натюрмортов. В годы Великой Отечественной войны его творчество меняется, становится более брутальным, в его новых работах нет следа тех чувств, что присутствуют в лирических пейзажах художника. В 1944 году в Свердловске прошла выставка «Урал – кузница оружия», где первая премия была присуждена «Уральскому пейзажу» Слюсарева. 

В послевоенные годы художник возвращается к нежному, меланхолическому повествованию природы. Большинство написанных им полотен воспринимаются музыкально, каждая картина – баллада об уральском крае. В них бытовая красота: и в деревенских мотивах, и в диких горах царит вечное спокойствие, оно значительно древнее человека. За свою жизнь он создал более 2500 этюдов и картин.

Умер 20 октября 1962 года.

СОЦРЕАЛИЗМ КАК НОВАЯ ИДЕОЛОГИЯ В ЖИВОПИСИ С 1930-Е ПО 1940-Е ГГ.

В ранние советские годы в связи со всеми тяготами непрестанного труда во время индустриализации, обилием переселенцев, – ссыльных поволжских немцев, а после и военной службы, лагерями трудармии, уральское искусство проявляет суровый характер, обобщая в небольших этюдах и гравюрах сложный опыт тысячи людей. Художники начали по-новому описывать быт, природу, были намечаны первые тектонические сдвиги. Композицонный объем в произведениях, а также сочетание обобщенных фигур с предельной конкретностью образов, – спокойно, но метко, –  таким было искусство Германа Мелентьева, Виктора Зинова, Олега Бернгарда. Широкие мазки и брутальность подачи стали способами проявления новой выразительности. 

Художник как историк: Герман Александрович Мелентьев (1888-1967)

Герман Мелентьев — яркий представитель социалистического реализма в уральской живописной школе. Он изображает советскую реальность через революционные события, индустриализацию, типичных персонажей своего времени. При всем стремлении социалистического реализма к фотографической точности и пафосу монументального искусства, стиль художника вырабатывается, прежде всего, из возможностей живописного языка, современных течений и направлений. Его работы наполнены экспрессивными, живыми мазками, которые передают общее настроение и характер события. Динамика образов воспроизводится за счет ряда художественных приемов (контраст, световоздушная перспектива, пастозность), направленных на создание атмосферы в картине, расширение чувственного пространства. 

Герман Мелентьев родился в 1888 году в селе Орда, Кунгурского района, Молотовской области в семье сапожника. В свободное от работы время отец любил рисовать и передал эту любовь своему сыну. Талант мальчика к рисованию был очевиден с раннего возраста. В 1900-е годы родители отдали его в Кунгурское городское училище, где он начал заниматься живописью. Учился у преподавателя Алексея Николаевича Зеленина — выдающегося уральского живописца из Перми, окончившего Академию Художеств в 1895 году. К сожалению, поучится удалось недолго: за неуплату денег его быстро исключили. 

После работал с отцом на кожевенном заводе, затем в различных канцеляриях и конторах, одновременно много рисовал. Заработав немного денег, в 1909 году поступил в Казанское художественное училище, где продолжил обучение живописи. Там, с 1909 по 1915 годы, становление художника проходило под руководством известных живописцев Николая Ивановича Фешина и Павла Петровича Бенькова. Стилистические приемы обоих авторов легли в основу художественного языка Мелентьева. Наиболее заметное влияние на стилистику уральского живописца оказал Николай Фешин. В 1915 году закончил училище по первому разряду в числе трех лучших его выпускников. 

В 1915 году поступил в Академию Художеств в Санкт-Петербург, где три года работал под руководством профессора Александра Владимировича Маковского — авторитетного русского живописца, члена Товарищества передвижных выставок. К сожалению, из-за материальных трудностей, преследовавших художника практически всю жизнь, был вынужден оставить столицу и вернулся на Урал. 

Следующие тридцать лет занимался преподавательской деятельностью. Таким образом, художник зарабатывал собственным трудом на существование и вырастил будущее поколение уральских живописцев. С 1918 по 1931 годы Мелентьев преподавал изобразительное искусство в Кунгуре, затем с 1931 по 1935 годы в Пермском художественном училище, после с 1935 по 1951 годы в Свердловском художественном училище. 

Одновременно с педагогической деятельностью много работал как художник над собственными произведениями. Среди наиболее известных полотен на историческую тему, написанных в 1920-е годы: «Пугачев в Кунгуре в 1777 г.», «Мотовилихинское восстание в 1905 г.», «Встреча Красной Армии, освободившей Пермь в 1919 году» и др. Также, в 1920-х годах, художник запечатлевает первые шаги колхозной деревни: «Весенний сев», «Соха и первый трактор», «Жатва» и др. 

В эти же годы становится членом Свердловского филиала Ассоциации Художников Революции (1929–1932), позднее, в 1932 году — членом Союза художников СССР.

В начале 1930-х годов много работал на индустриальных стройках Урала —  Уральском заводе тяжелого машиностроения, Ново-Тагильском металлургическом заводе и других. Результатом стали тематические картины: «Работа бригады у мощного пресса УЗТМ», «Цех», «У пресса», «Стахановец УЗТМ», «Десятитысячный пресс на УЗТМ», «Утренний тренаж молодняка на Уральском конном заводе», «Панорама Ново-Тагильского завода».

Помимо сюжетных картин, художник проявлял свое мастерство в портрете. В его творчестве широко распространен портрет-тип, где индивидуальные черты сочетаются с типическими, особо характерными для представителей определенной эпохи. К таким можно отнести работы: «Пионер — отличник учебы Петров», «Работница Кунгурского кожзавода товарищ Овсянникова», «Хоккеистка», «Сталевар Нурулла Базетов» и другие.

Участвовал в ряде выставок, посвященных важнейшим датам СССР — юбилейным празднованиям со дня Октябрьской революции, искусства народов СССР, образования РККА и других. 

Наиболее значимые выставочные проекты: 2-й выставке творчества современных художников Урала (1927) в Перми, выставке произведений художников союзных республик, автономных республик и областей РСФСР (1944) в Москве; «Урал — кузница оружия» (1944) в Свердловске и других. В 1945 году провел персональную выставку в Свердловске совместно с И. К. Слюсаревым.

Умер 28 марта 1967 года в Свердловске. Похоронен на Широкореченском кладбище.

Герман Мелентьев был талантливым живописцем, ему удалось раскрыть свои качества за счет учебы у выдающихся российских художников. В свою очередь, будучи преподавателем, ему также удалось стать важным проводником для следующего поколения уральских живописцев.

Новое направление живописной мысли — социалистический реализм подарил художникам новых героев и сюжеты, а также пространства изображения (города, заводы, стройки, колхозы и прочее). Все это дало возможность автору применить свой талант на укрепление целого направления в искусстве, стать ярким его представителем.

Поэтика советской повседневности в творчестве Виктора Семеновича Зинова (1908-1992)

Творчество Виктора Зинова многогранно. Он художник социалистического реализма — писал исторические картины, делал эскизы, создавал мозаики. Много картин посвящено вождям революции и руководителям Советского государства. При этом он также прекрасный уральский пейзажист. Пейзажи его наполнены свежестью впечатлений, природа в них изображена в определенный момент времени, они сохраняют ощущение мимолетности. Его живописную манеру сравнивают с импрессионистами. Действительно, в его работах есть особое ощущение, помогающее человеческим чувствам звучать ярко, его холсты музыкальны. Во многом они резонируют с советской поэзией и кинематографом, отражая определенный взгляд на реальность. Он также пишет портреты, в этом жанре он тоже раскрывает способности своего таланта: может и в психологический портрет, и в шарж. Для Зинова, колориста и мастера композиции, характерна любовь к свету, простору, свежему воздуху.

Виктор Зинов родился в 1908 году в городе Кунгур Пермской области, в семье педагога. 

С 1923 по 1927 год учился в Екатеринбургском художественном техникуме, который готовил квалифицированных художников-скульпторов. Ему преподавали Виктор Синайский и Евгений Машкевич. Дипломная работа – «Рельеф для Делового клуба» (ныне здание филармонии в Екатеринбурге).

Работая на фабрике «Русские самоцветы», Зинов показал себя большим мастером, хорошо знающим свойства уральского камня. По его моделям было выполнено немало изделий для экспорта. 

В 1932–1936 годы работал художником-иллюстратором в газете «Уральский рабочий», в котором оформлял заголовки, плакаты, портреты уральских тружеников. Здесь он создал целый ряд агитационных плакатов («Уральцы! Встретим XXII съезд КПСС трудовыми успехами!», 1961), иллюстраций и портретов передовых людей Урала.  

Член Союза художников с 1932 года. В 1936 году перешел на творческую работу в Союз Художников и был приглашен Иваном Слюсаревым в «святая святых» уральских художников – в Малый Исток к Леонарду Туржанскому. Там же писал пейзажи и жанровые картины. Жанровая живопись занимает в творчестве Зинова большое место («Стадо», 1938; «На массовку», 1937; «Дуэль Лермонтова», 1938; «Каменотесы», 1939). Однако и исторический жанр имеет место не меньшее значение («Свердлов в ссылке», 1947; «Ленин у больного Свердлова», 1948; «Ходоки у Ленина», 1953).

С 1942 по 1945 году был призван в ряды Советской Армии. В это время Зинов много работает над графическими портретами фронтовиков.

Персональные выставки работ художника состоялись в Свердловске (1938, 1948, 1958 и 1965). Работы находятся в государственных художественных музеях Урала, в том числе в Екатеринбургском музее изобразительных искусств, Екатеринбургской галерее современного искусства, в частных российских и зарубежных коллекциях; один из плакатов художника хранится в Нижнетагильском музее-заповеднике «Горнозаводской Урал».

Умер 31 декабря 1991 года в Екатеринбурге. 

Художественное сопротивление в военные годы: личная борьба Олега Эдгардовича Бернгарда (1909-1998)

Разносторонний автор со сложной судьбой — Олег Бернгард стал важной фигурой для уральской школы живописи. Он проявил свой талант в бытовом и батальном жанрах, в пейзаже и агитационном плакате, в монументальном искусстве и театрально-декорационной живописи. Яркая и сильная личность, несмотря на трудности, пришедшие в жизнь художника вместе с Великой Отечественной войной, проявил себя лидером среди уральских живописцев, воспитав плеяду авторов, будучи в 1940-е годы преподавателем Уральском училище прикладных искусств в Нижнем Тагиле. Оставил богатое творческое наследие.

Олег Бернард родился 7 июля 1909 года в Мюнхене в семье русского театрального художника Эдгарда Бернгарда, работавшего в Германии, и известной польской пианистки Ванды Тшаске. После начала первой мировой войны семья была вынуждена эмигрировать. Долгие скитания по Европе привели семью художника в Российскую империю, сначала в Санкт-Петербург, а позже в Екатеринбург. Решению остаться в Екатеринбурге способствовали следующие обстоятельства: в 1916 году мать будущего художника приняла приглашение дирекции Екатеринбургского музыкального училища провести ряд концертов, после которого последовало следующее предложение — преподавать в училище по классу фортепиано. 

В Екатеринбурге получил начальное образование, учился по классу виолончели в музыкальной школе. С детства юношу больше привлекала не музыка, а рисование. Первым преподавателем художника был живописец А. А. Арнольдов, давший ему частные уроки живописи в начале 1920-х годов. 

В 1924 году Бернгард поступил в Уральский художественно-промышленный техникум, где встретился с Иваном Слюсаревым, известным уральским пейзажистом, оказавшим значительное влияние на развитие художника. Именно Слюсарев познакомил начинающего художника с Леонардом Туржанским, в мастерской которого Бернгард продолжил обучение живописи. Влияние этих двух авторов на его творчество нельзя переоценить: в уже зрелые годы своей творческой карьеры художник вернется к пейзажу как одному из основных жанров, проявит свой творческий талант живописца уральской природы. 

Конец 1920-х годов для художника был знаменован подъемом его творчества и признанием среди художественного сообщества советской России. В 1927 году был принят в члены Ассоциации художников революционной России (АХРР), позднее — АХР. С 1932 года принят в Союз художников СССР. С 1929 по 1936 годы служил в Рабоче-крестьянской Красной Армии. В 1930-е годы по его проектам было перестроено здание для Уральского геологического музея, оформлен свердловский «Пассаж». С 1928 по 1941 годы участвовал во всех художественных выставках, организуемых свердловскими художниками. 

Однако с началом Великой Отечественной Войны наступили трудности. В 1941 году был отправлен по национальному признаку разнорабочим в трудовую армию, в спецотряд 18-74 в исправительно-трудовой лагерь Тагиллаг в Нижний Тагил. Но даже в таких сложных условиях художник не переставал рисовать. После тяжелой рабочей смены у обжиговой печи на кирпичном заводе он тайком создавал патриотические плакаты и вывешивал их в столовой. Основным посылом художника стала борьба с фашизмом при помощи заводской работы и труда — надпись на одном из его плакатов гласила: «Каждый сверхплановый кирпич – удар по врагу!». Слух о рисующем трудоармейце долетел до политотдела «Тагил-строй» НКВД. В 1942 году начал работать в политотделе в тиражной газете «Сталинская Стройка». Там он создал много плакатов, карикатур, жанровых и батальных картин. После его направили в редакцию газеты «Уральский рабочий», где он вместе с художниками Виктором Зиновым и Екатериной Гилевой начали выпуск «Окон ТАСС» и серии плакатов «В бой за Родину». 

В 1943 году по его инициативе началась подготовка к выставке «Нижний Тагил в Великой Отечественной войне», где он возглавил выставочный комитет. После его освободили от работы в политотделе, но не реабилитировали. Осенью этого же года было решено создать в Нижнем Тагиле музей изобразительных искусств, к формированию постоянной экспозиции которого привлекли Бернгарда. Позднее, в 1945 году, в этом музее открылась художественная выставка, где были представлены 82 живописные и 12 графических работ художника. 

В 1944 году вместе с художником Дмитрием Кавалершиным приступили к созданию живописных панно по истории тагильских заводов и рудников. Бернгарду было поручено создание живописных панно по истории Новотагильского металлургического завода (НТМЗ): «Общая панорама завода», «Выпуск чугуна (литейный двор)».

Также принимал участие в создании художественно-производственных мастерских, сотрудничал с Нижнетагильским краеведческим музеем. В этот же период, с 1945 года по 1953 год он был  художником Нижнетагильского драматического театра и Театра кукол.

С 1947 по 1956 годы преподает в Уральском училище прикладного искусства в Нижнем Тагиле. Среди его учеников известные уральские живописцы: Вилен Мухаркин (Нижний Тагил), Иван Болотских (Челябинск), Александр Плохих (Катайск), Тимофей Коваленко (Пермь), Леонтий Зудов (Нижний Тагил), Петр Бортнов (Нижняя Салда).

В 1952 году совместно с художниками Виктором Елисеевым, Александром Кудриным и другими принял участие в создании настенной росписи «Сказы Бажова» во Дворце культуры Нижетагильского металлургического завода. 

В 1958 году был реабилитирован, вернулся в Свердловск. Совершил творческие поездки на Волгу, Чусовую и Уфу, на Северный и Южный Урал, на Кавказ и в Крым. Во время поездок вернулся к пейзажу. В отличие от своего учителя Леонарда Туржанского, в этом жанре был более повествователен, реалистичен. Его этюды просты и изящны, в них нет драматизма. Их настоящая красота в скромности.

Умер 8 июля 1998 года в Екатеринбурге. Похоронен на Сибирском кладбище. 

ВОЗВРАЩЕНИЕ К ПЕЙЗАЖУ. НОВЫЙ ПОВОРОТ В РАЗВИТИИ ЖАНРА В 1950-Е ГОДЫ

Пейзаж 1950-х годов вместе с Александром Бураком, Львом Вейбертом и Валентином Новиченко обогатился поджанрами и новой подачей. В нем ключевое место уделяется метафоре, объединяющей древние легенды уральских гор, шум леса и просторы полей, повседневность города, заводы-громады. Художник чувствует жизнь в городе, эстетически реагирует на заводские технологии. В эти же годы заметно увеличивается интерес к гравюре, появляются первопроходцы и новаторы (Вейберт, Новиченко, Волович). 

Сибирский романтик на уральской земле. Творчество Александра Филипповича Бурака (1921-1997)

Живопись Александра Бурака уникальна: художник привнес новый виток в развитие уральского пейзажа, открыв не только просторы и широту уральских лесов, гор и полей, но и выразив при этом мощь горной стати, твердь земли. Взгляд в его пейзажных работах выстраивается по-особенному: обозревая местную территорию общими планами с умеренной детализацией природы, образ Урала в живописи Бурака выглядит монолитно. Художник осел на Урале, приобрел верных друзей-коллег, обогативших его опыт. Стал профессором в Свердовском архитектурном институте, выпустив поколения студентов, которым передал свои знания. Участием во всероссийских и международных проектах художник прославил Урал на весь мир. 

Александр Бурак родился 10 июля 1921 года в деревне Ефремовка в Новосибирской области. В 1930 году вместе с семьей переехал в город Кемерово. 

В 1937 году уехал поступать в художественное училище в Москве. В ходе поступления принял решение вернуться домой и окончить среднюю школу. В Москве познакомился с другом своего отца, архитектором Коноплевым. Под влиянием рассказов Коноплева решил стать зодчим. Вернувшись домой, в 1938 году окончил 10-й класс школы № 56. 

Дальнейшая учеба с 1938 по 1943 годы проходила на архитектурном факультете Новосибирского строительного института им. В. В. Куйбышева. Одновременно он подрабатывал художником-мультипликатором в Новосибирской студии научно-популярных фильмов.

В 1944 году его назначили главным художником цветного документального фильма «Нетронутый Урал» и командировали для работы в  Свердловск. На Урале он познакомился с Иваном Слюсаревым и Виктором Зиновым, от которых получил первые уроки пленэрной живописи. Именно в это время он сделал выбор между архитектурой и живописью. 

С 1946 года жил в Свердловске, работал в проектном институте. Картины писал в свободное время.

Свердловские пейзажисты стали его учителями в живописи с натуры. Фильм «Нетронутый Урал» не был закончен, но спустя 10 лет Бурак создал полотно под названием «Нетронутый Урал». Затем появились другие живописные шедевры автора – картины «Каменный пояс», «Урал…Урал…». 

После первых успехов в пейзаже, его ждала активная выставочная деятельность. С 1947 года Бурак – постоянный участник городских, областных, зональных, республиканских, всесоюзных и зарубежных выставок. 

В 1950 году правление Союза художников одобрило командировку художнику на творческую базу под Москвой. Там он учился, общался с мастерами живописи из Киева, Ленинграда, Москвы. Занятия на базе проводили художники Павел Соколов-Скаля, Георгий Нисский, Григорий Шегаль, Порфирий Крылов и другие. После возвращения домой лето 1951 года провел на Южном Урале в Симе, где работал на природе, устроив мастерскую в скалах. Там была написана его картина «На Южном Урале».

Это был первый большой пейзаж художника, который тепло встретили и на Урале, и в Москве. В рамках Всесоюзной выставки 1951 года работа экспонировалась в Государственной Третьяковской галерее. В этом же году был принят в Союз художников.  

Талант художника в изображении местности стал очевиден в 1950-1960-е годы: ему под силы были пейзажи с лирическим настроением и эпическим содержанием, также он писал картины на индустриальную тему.  

Большое вдохновение посетило художника в 1958 году во время его путешествия на теплоходе «Грузия» вокруг Европы. Он побывал в Брюсселе на Всемирной выставке, в Антверпене, а также в Лувре, в Париж и других музеях Европы. Результатом поездки стали картины «Бездомные», «У станции метро», «На улицах Неаполя», «На улицах Стамбула» и другие.

В 1964 году получил звание «Заслуженный художник РСФСР».

В 1968-1989 годах работал зав. кафедрой рисунка, живописи и скульптуры Свердловского архитектурного института, преподавал. 

Работы находятся во многих музеях страны, включая Третьяковскую галерею, Музей революции, Екатеринбургский музей изобразительных искусств, Нижнетагильский музей изобразительных искусств, Ирбитский государственный музей изобразительных искусств, Екатеринбургскую галерею современного искусства, а также в галереях и частных собраниях Франции, Великобритании, Италии, Австрии, Испании, Германии, Чехословакии, Японии и ряда стран Северной и Южной Америки.

Умер 29 апреля 1997 года в Екатеринбурге. Похоронен на Сибирском кладбище.

Лев Павлович Вейберт (1925-2006) – первый мастер офорта на Урале

Лев Вейберт — художник трагичной судьбы. Будучи по происхождению немцем в годы Великой Отечественной Войны, свою молодость он провел в ссылке на угольных шахтах Карпинска, в тяжелых условиях. С детства мечтал стать художником, пройдя все трудности, сохранил в себе стремления. Отучившись в Свердловском художественном училище, после многие годы экспериментировал с техникой. Вейберт самостоятельно изучил разные виды гравирования на металле: офорт, линогравюра (в том числе цветная), акватинта, меццо-тинто, мягкий лак. Его любимой техникой стал офорт, ранее редко встречавшийся на Урале. Знания об офорте он передал другим поколениям уральских художников, приезжавших к нему в гости. В поздние годы творчества художник общался с большим количеством коллег, ездил в столичные командировки, знакомился с первоклассными мастерами. Он всегда продолжал развивать свой талант, совершенствоваться. Официальным признанием в художественном сообществе стал его прием в Союз художников СССР. 

Лев Вейберт родился 14 августа 1925 года в селе Сылва Пермской области в интеллигентной семье потомственных обрусевших немцев.

В 1939 году отправился в поход по Бажовским местам. Во время путешествия создал первые рисунки, посвященные природе Среднего Урала. Уже тогда он стремился получить художественное образование, но его мечты развеяла война с Германией. В 1942 году его семья была репрессирована и отправлена в Таборинский район на поселение без права выезда. Оказавшись с родителями и родным братом в разных лагерях и условиях, молодой художник испытал серьезные тяготы одиночества на чужбине в тяжелых обстоятельствах. Его отправили в ссылку на Богословские угольные копи в Карпинск. Несмотря на строгие запреты и ежеминутный страх за собственную жизнь, художник первый год вел дневник, из записей которого сегодня можно видеть, в каких обстоятельствах, а, главное, – как менялся его взгляд на жизнь. Там он обрел своего верного друга на долгие годы – Михаила Дистергефта, художника. Немецким трудармейцам в советских лагерях пришлось пережить изнурительный многочасовой труд на страшном морозе, пытки, голод и многочисленные болезни. 

В 1945 году родители художника перезжают в Карпинск, их встречи становятся частыми. Благодаря помощи своего друга Дистергефта, он устроился на разрез в помощники к художнику Виктору Семке, но там проработал недолго: его откомандировали в «Клуб угольщиков», и он стал рабочим сцены – писал рекламу. В 1946 году будущий художник получил право на более лояльные условия жизни в Карпинске, смог уволиться из лагеря. С этого времени он начал жить вместе со своими родными в небольшом домике в Карпинске. Работал в кинотеатре «Красный горняк» – писал киноплакаты. 

В 1948 году в СССР стало возможным обучение в высших и специальных учебных заведениях репрессированным немцам. В 1949 году Вейберт перебрался в Свердловск и поступил в Свердловское художественное училище на живописно-педагогическое отделение. Учился у Алексея Заусаева и Василия Кушнера. Окончил в 1954 году. Женился на одногруппнице – Надежде Никулиной. Вместе с женой вернулся в Карпинск. 

В 1950-е годы Карпинске художнику удалось сформировать собственный профессиональный круг, так называемую «Поляну художников» на горе Конжаковской камень. Вместе с Михаилом Дистергефтом и своим учеником Леонидом Телицыным он выбрал это место ддя пленэров. Позже к ним стали приезжать художники из Свердловска и Москвы, после чего они решили построить на поляне избу (в современном понимании «арт-резиденцию»), за которой и закрепилось название «Поляны художников». 

В Карпинске зарабатывал частными уроками. Позднее, в 1972 году, помог художнику Телицыну в создании первой детской художественной школы в Карпинске, в которой Леонид проработал директором много лет. 

Также Вейберт работал художником-иллюстратором в двух издательствах. Именно благодаря контактам тех самых двух газет – «Карпинский рабрчий» и московской “Neues Leben”, а также поддержке оргкомитета Союза художников РСФСР он получил возможность поехать в подмосковный Дом творчества «Челюскинская» в 1960 году. За год до первой поездки в Москву, в 1959 году, Вейберт знакомится с человеком-легендой XIX века – художником Георгием Гаман-Гамоном, который в свое время лично знал и учился у таких мастеров графики как Фрэнк Бренгвин, Василий Мате, Валентин Серов, Иван Шишкин.

1960–1970-е гг. являются одним из самых интенсивных для художника с точки зрения творческих экспериментов и общения с художественной средой: он периодически посещал Москву и обменивался опытом с художниками со всей страны, совершенствовался как мастер в технике и идее, регулярно участвовал в национальных и региональных выставках, работал на пленэре, его «резиденцию» на Урале посещали коллеги. В 1960-е годы в Карпинске он активно занимался офортом. В этот период он создал свои лучшие графические работы: «Переэкскавация», «В пути» (1961), «Землеройный корабль» (1967), «Легенда» (1974), «Старые кедры», «На старых вырубах» (1976), «Бурелом», «Дарующие жизнь» (1978) и другие.

В 1965 году был принят в члены Союза художников СССР.

Вейберт сам разработал чертежи, по которым ему собрали станок для печати на Карпинском машзаводе. К нему приезжали художники-графики из Свердловска, чтобы печатать свои работы, после – чтобы такие станки заказывать. В 1967 году к нему приезжал Виталий Волович печатать серию «Исландские саги». 

В 1970-е годы газета “Neues Leben” активно печатали линогравюры Вейберта, иллюстрируя ими подборки стихов, украшая первую полосу к различным праздникам, и используя их в качестве отдельных заставок. В 1980-е годы сотрудничество с редакцией газеты становится постоянным.

В 1973 году его семья переехала на Средний Урал, в поселок Калиново на берегу озера Таватуй. Там же возвышается мемориал Великой Отечественной войны. В строительстве этого обелиска он принимал участие вместе с женой. Их руками выложена мозаика мемориала. 

С 1980-х годов его мастерскую часто посещали художники, владельцы галерей, ученики. Он много работал там, преподавал в художественной школе в Новоуральске, создал новые пейзажные серии (например, известная серия поздних лет художника — «Времена года»), также помогал жене с организацией ее персональной выставки в 1990-е гг., работал над издательством сборников стихов своей старшей дочери Натальи Вейберт (Бакановой) в 2000-е гг., и сам активно выставлялся на Урале. Последней прижизненной персональной выставкой художника стала экспозиция, открытая 5 марта 2006 года в Екатеринбургской галерее современного искусства. Умер Лев Вейберт 11 марта 2006 года в поселке Калиново. 

Индустриальный пейзаж Валентина Алексеевича Новиченко (1927-2010)

Валентин Новиченко – еще один художник-новатор, активно развиваваший направление индустриального пейзажа. О жизни этого человека известно не так много. В его работах завершилась эпоха, когда быт советского человека, живущего на Урале, воспроизводился через тяжелый труд, заводскую работу, станки, металл и пламя огня. Образ труда, который художник создает при помощи авторской техники живописи на металле – полиштрихографии, а также незаурядных композиционных приемов, обретает внутреннюю мощь и выразительность. Идея о благородном, эстетически воспринимаемом заводском труде, становится нарративной в творчестве автора. Помимо темы индустриальности, в пейзаже художника также интересовали местная природа, городской ландшафт.  В его лирических пейзажах присутствует особое эмоциональное звучание («Зимний пейзаж» 1966, «Радуга» 1972, «Дыхание Севера» 1980, «К осени» 1999). В изображении города он стремился показать поэтику быта. С помощью деталей, которым художник уделял большое внимание, ему удалось передать энергичные ритмы мегаполиса. Взгляд на индустриальный и городской пейзажи Новиченко уникален и по-прежнему кажется актуальным: к творчеству этого автора обращались в рамках II-й Уральской индустриальной биеннале современного искусства (2012). 

Валентин Новиченко родился 9 декабря 1927 года в селе Лясовка Житомирской области, в Украине, в семье рабочего. Рос и учился на Урале. Жил в Орске, Оренбурге, Кургане, Свердловске. В Оренбургской области прошло детство и юность. Семья часто переезжала в разные точки страны. Так, в 1933 году в возрасте 6 лет в Сталинграде впервые увидел картины маслом, этюды Волги. Со школы начал рисовать и мечтал стать художником. 

В декабре 1944 года, в 17 лет, его призвали в армию, в военное училище. Служба в армии продолжалась до 1951 года. Участник Великой Отечественной Войны. 

В 1953 году приехал поступать в Свердловское художественное училище. Не приняли. Остался в Свердловске и поступил на Уралхиммаш художником-оформителем. 

С этого же года начал самостоятельно осваивать технику гравюры, особенно его интересовали линогравюра, ксилография и офорт, тогда же познакомился с искусствоведом Борисом Павловским. Самостоятельно начал изучать живопись по картинам русских академиков – Левитана, Шишкина, Репина, Сурикова, Айвазовского, Куинджи, Васильева, Врубеля. Были доступны репродукции, что-то можно было увидеть в местной картинной галерее. Из иностранной классики особенно отмечал таких авторов, как Рембрандт, Тициан, Гольбейн, Боттичелли, Франциско Гойя, Леонардо да Винчи. 

Спустя три года самостоятельного обучения и практики в качестве художника-оформителя, Новиченко вновь, в 1956 году, решил поступить в Свердловское художественное училище. В этот раз успешно. С 1957 года регулярно участвовал в выставочной деятельности. В 1964 году был участником 1-й зональной выставки «Урал социалистический». 

В свободное от основной работы время делал зарисовки в цехах, которые впоследствии стали материалом для серии гравюр о заводе. Как отмечал сам художник, завод дал возможность закончить художественное училище без отрыва от производства. Уже в эти годы его эксперименты в области гравюры дают высокие результаты. Считается, что именно в эти годы художник открыл свою собственную технику –  полиштрихографию. 

В 1959–1960 годы выполнил 50 гравюр для издательства «Памятники и памятные места Свердловска». После окончания училища в 1961 году, работал в редакции газеты «Советское Зауралье» и на Свердловской киностудии с 1961 по 1963 годы.

Помимо пейзажа художника также привлекал и портретный жанр: он создал довольно большое количество аллегорических женских портретов в технике монотипия. 

В 1966 году принят в члены Союза художников СССР. К этому времени сформировались основные направления его творчества, в которых он в дальнейшем продолжал совершенствоваться, – живопись, гравюра, рисунок, акварель, монотипия, акватипия, авторская техника «полиштрихография».

В 1968 году создал 100 миниатюрных живописных работ.

В 1972 году окончил факультет эстетики при Университете марксизма-ленинизма. С 1974 года вернулся к графике. 

В 1977 году в Свердловской картинной галерее представил персональную выставку из своих графических и живописных работ. 

С 1980 года начал писать стихи. 

Умер 25 сентября 2010 года в Екатеринбурге. 

ГЛОТОК СВОБОДЫ: ИНДИВИДУАЛЬНЫЙ СТИЛЬ «МЭТРОВ» УРАЛЬСКОГО ИСКУССТВА 1960-Х ГГ.

В 1960-е годы наступает расцвет индивидуальных исканий. Довольно сложно говорить о влияниях только в пределах уральской пейзажной школы, художественной преемственности. Художественный язык расширяется: художники 1960-1970-х годов вступают в диалог с произведениями мирового искусства. В этот период отмечен активный интерес к западному искусству. 1960-е годы – время «мэтров» уральского искусства: Виталия Воловича, Геннадия Мосина, Миши Брусиловского, Германа Метелёва. Каждый был в собственных исканиях свободен и индивидуален, художественно одарен. Эти художники – крупные фигуры на карте уральского искусства, их имена известны массовому зрителю. В этой главе мне кажется наиболее важным аналитически подойти к данным фигурам для того, чтобы отразить основные вехи в жизни художников, приберегая на будущее собственный художественный анализ произведений этих больших авторов. 

Мастер книги Виталий Михайлович Волович (1928-2018)

Виталий Волович – глыба уральского графического искусства, мастер офорта, запечатлевший виды Екатеринбурга и проиллюстрировавший большое количество произведений мировой литературы. Есть у него и живописные циклы. К ним относится цикл «Старый Екатеринбург». Вступление к книге «Старый Екатеринбург» заканчивается так — «Я рисовал – следовательно, я любил». Произведение для Воловича – уже акт, действие. Всегда мельчайше проработаны, но не перегружены, с особым чувством композиции, тоновых отношений сделаны его произведения. В каждом штрихе – мысль, в каждом оттиске – жест. В разные периоды творчества стиль художника претерпевал изменения: так, в поздние годы в его работах был найден баланс между жесткостью линий и динамикой композиции.  

Виталий Волович родился 3 августа 1928 года в городе Спасск Приморского края в писательской семье. С 1932 года жил и работал в Екатеринбурге (Свердловске). 

С 1943 по 1948 годы учился в Свердловском художественном училище. После выпуска из училища сотрудничал со Среднеуральским книжным издательством: оформлял обложки книг и создавал иллюстрации. 

Первые иллюстрации к произведениям М. Пришвина, М. Пилипенко, Б. Дижур были выполнены тушью и пером. Затем художник обращается к техникам линогравюры, офорта, литографии, книжной и станковой графике, использует темперу, акварель, гуашь. Признание художнику принесли ставшие теперь классическими иллюстрации к «Ричарду III» (1967), «Тристану и Изольде» (1978), «Слово о полку Игореве» (1982). 

В 1970-е годы важную роль в творчестве играл цирк. Появилась серия «Цирк». 

Тогда же в 1970-е он начал работать с натуры. После во время своих многочисленных путешествий по России и за ее пределами стал создавать самостоятельные станковые пейзажи карандашом и акварелью. В постсоветский период, когда можно было свободно выезжать за границу художник старался всё больше работать с натуры, отражая культуру других стран, таких как Франция, Италия, Австрия, Палестина, Германия.

В начале 90-х издательства стали издавать книги без иллюстраций из финансовых соображений, или же и вовсе закрывались за неимением средств. А тем временем художник размышлял о художественных альбомах. В таком формате изданы книги: «Средневековый роман», «Парад Алле», «Женщины и монстры». Готовится к печати «Корабль дураков».

Большое место в творчестве Воловича занимают офорты.

Важным событием в жизни художника стал выход книги «Мастерская. Записки художника». 

C 1952 года постоянный участник городских, областных, региональных, всесоюзных и международных выставок. Член Союза художников с 1956 года. 

Заслуженный художник РСФСР (1973). Лауреат премии имени Г. С. Мосина (1995). Лауреат премии губернатора Свердловской области за выдающиеся достижения в области литературы и искусства (1999). Награжден золотой медалью РАХ за серию листов к трагедии Эсхила «Орестея». (2005). Первый на Урале член-корреспондент РАХ (2007). Почетный гражданин Екатеринбурга (2007) и Ирбита (2008). Академик Российской Академии художеств (2012). 

Работы хранятся в Государственной Третьяковской галерее,  в ГМИИ им. А.С. Пушкина, в Русском музее, в Екатеринбургском музее изобразительных искусств, в Нижнетагильском государственном музее изобразительных искусств, в Ирбитском государственном музее изобразительных искусств, в Пермской государственной художественной галерее, в Челябинской областной картинной галерее, в Пражской национальной галерее (Чехия), в Музее современного искусства в Кёльне, в музее Ф. Шиллера и И. Гёте в Веймаре (Германия), в Шекспировском центре в Стратфорте-на-Эйвоне (Великобритания) и других музеях и частных собраниях России, Германии, Франции, Испании, Италии, Израиля, США.

Формальные поиски Геннадия Мосина (1930-1982) 

Геннадий Мосин – свердловский художник-монументалист, чья живописная манера активно совершенствовалась под влиянием европейской живописи старых мастеров, а также русских формалистов начала ХХ века. Мосин был плодотворным художником, хотя его судьбу сложно назвать счастливой, тем не менее, признание пришло к нему при жизни. Его политические картины особенно выделяют в нем человека, переживающего за судьбу историю своей страны. Несмотря на довольно сложные критические отношения с государственными чиновниками, Мосин находит единомышленников в Союзе художников. Его формальные поиски и эксперименты помогли выйти уральской живописи на новый интеллектуальный уровень. Грубые, брутальные формы в его творчестве усложнялись контекстом самих произведений. 

Геннадий Сидорович Мосин родился 26 января 1930 года в селе Каменно-Озерском Свердловской области.

В 1946 году поступил в Свердловское художественное училище. В 1951 году окончил училище и поступил на живописное отделение Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина.

Преподавал в Свердловском художественном училище в 1950–1970-е годы. Написанная на сюжет сказа Павла Бажова дипломная работа «Каменный цветок» (1957) уже в начале творческой карьеры художника отразила его интерес к мифологии родного края. Вернувшись после обучения в Свердловск, Мосин активно включился в художественную жизнь Урала. 

С 1954 года постоянный участник областных, зональных, всесоюзных и международных выставок.

Вдохновленный искусством старых мастеров, художник создавал эпические полотна, в которых блестяще работал с колоритом и созданием формы. Довольно смелый в своей технике художник был открыт к разным художественным экспериментам, в том числе и содержательным.  

В созданной в 1962 году совместно с Мишей Брусиловским картине «1918», отличавшейся непривычной экспрессивностью, местные руководители увидели критику и порицание власти. Слава об этой картине вышла за пределы выставки и города и впервые произвела резонанс не только в художественной, но и общественной жизни. Этот художественный эксперимент стоил художнику довольно дорого, хотя в среде близких по духу коллег не встретил непонимания. Тем не менее, отказавшись от пути конформизма, художник ушел в мир мастерской и на долгие годы был лишен госзаказов. 

В выставках 1970-х годов участвовал портретами, пейзажами, иллюстрациями. В это время в творчестве художника сказывается увлечение живописью раннего Возрождения. Он также создает ряд работ на сюжеты сказок: «Сказки о мёртвой царевне», «Сказки о царевне-лягушке», иллюстрации к русским народным сказкам и к «Сказкам дедушки Ай-по» Юрия Афанасьева.

Первый из уральских художников, открывший красоту небольшой деревни Волыны. Вслед за ним многие свердловские художники притянулись к этому месту. 

Работы находятся в Екатеринбургском музее изобразительных искусств, в Волгоградском музее изобразительных искусств, в Окружном Доме офицеров г. Екатеринбурга, в Нижнетагильском музее изобразительных искусств, в Екатеринбургской галерее современного искусства.

Умер 20 декабря 1982 года в Екатеринбурге. 

С 1991 года российская премия имени Г. С. Мосина вручается ежегодно 26 января, в день его рождения, за особые достижения в области изобразительного искусства. 

С 2011 года екатеринбургская детская художественная школа № 2 носит имя художника.

Авторский стиль Миши Брусиловского (1931-2016)

Миша Брусиловский – многогранный художник, разработавший уникальный, узнаваемый авторский стиль, который, несмотря на плотную тектонику художественного языка, изменялся со временем – расширялся, углублялся, вытягивался, двоился… Экспрессия цвета и яркость даже самых бледных красок, неожиданные композиционные решения, слом перспективы и деконструкция человеческого тела – явные свидетельства того, что его художественная стратегия была направлена на историю искусств. Его картины вступают в диалог с авангардом, абстракционизмом и иконописью, заимствуя и смешивая разные традиции. Предпочтений в живописных жанрах не имел: работал в портрете, с большими многофигурными композициями, с библейской тематикой, в натюрморте, в декоративно-прикладной живописи.

Миша Шаевич Брусиловский родился 7 мая 1931 года в Киеве в Украине. В 1938-1940 годах находился с семьей на Дальнем Востоке, в Биракане и в Биробиджане. В 1940 семья вернулась в Киев, в 1941-1943 – эвакуация в Троицк на Южный Урал. В 1943 году вернулся в Киев после освобождения города от оккупации. В 1944-1945 годах учился в интернате для одаренных детей. Затем – в художественной школе им. Тараса Шевченко при Киевском художественном институте с 1945 по 1952 годы. 

Безусловно военный период повлиял на творчество художника. Тяжелый личный опыт переселения, потери родных, вечной нестабильности отложили свой отпечаток на восприятие художника. В своем творчестве он постоянно находился в поиске себя. 

В 1953 году приехал в Москву, работал художником-оформителем на ВДНХ. С 1953 по 1959 годы учился на графическом отделении Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина. 

С 1959 года по распределению приехал в Свердловск. Преподавал в Свердловском художественном училище им. И. Д. Шадра, сотрудничал со Средне-Уральским книжным издательством. В 1961 году в свердловском Доме художника состоялась его первая выставка как художника. Работы Брусиловского были встречены непониманием и раздражением. Через год совместно с Геннадием Мосиным он создает полотно «1918» – критическое высказывание в сторону политики советского государства. Работа стала прорывной для местного художественного сообщества. По мнению Анны Таршис, именно это произведение дало толчок развитию неформального искусства. 

В 1964 году был участником 1-й зональной художественной выставки «Урал социалистический» в Свердловске. В 1967 году был участником выставки молодых советских художников в Берлине (ГДР).

Член союза художников с 1968 года. 

В 1976 году вошел в состав творческой бригады художников Уральского Машиностроительного завода. В 1981 году состоялась первая персональная выставка Миши Брусиловского в Свердловской картинной галерее. В 1989 году получил приглашение провести персональную выставку в парижской галерее Гарига Басмаджяна. 

В 1990-е годы ощущение новых горизонтов отозвались в художнике и открыли в нем новую эстетическую оптику, по выражению Елены Шипцыной, – фрактально-панорамную. Подвижность и изменчивость этого мира, абсурд, ирония – стали важными чертами, определяющими искусство Брусиловского в этот период. В эти годы он написал «Коты», «Малина», «Буратино и другие».

В 1991 стал лауреатом премии Г. Мосина. 

В 1992 году состоялась годовая творческая поездка художника в США. По окончанию поездки не смог вывести большую часть своих работ за границу из-за формата. Часть творчества так и осталась в частных коллекциях в Нью-Йорке. 

В 2000-е годы художника все больше волнует библейская тема и мифология. В этот период он написал такие работы, как «Белая Леда», «Похищение Европы», «Изгнание из Рая», «Ноев ковчег». 

В 2002 – лауреат премии Губернатора Свердловской области за выдающиеся достижения в области литературы и искусства. В 2011 – присвоено звание Заслуженного художника Российской Федерации. В 2013 – вручена мантия Почетного члена Российской академии художеств. В 2016 – Почетный гражданин Свердловской области. 

Умер 3 ноября 2016 года в Екатеринбурге. 

В 2017 в Екатеринбурге был открыт музей Миши Брусиловского. 

Художник-универсал Герман Метелёв (1938-2006) 

Герман Метелев – мастер-универсал. За всю свою творческую жизнь он попробовал себя во всевозможных техниках: живопись, графика, монументальное искусство, скульптура, ювелирное дело, театр и кино, а также книжная иллюстрация и экслибрис.  Широта его таланта кажется безграничной. При этом стиль самого автора на протяжении всей жизни активно менялся. Метелев – многоликий художник. Одним из важнейших жанров в его живописном творчестве был автопортрет. Именно в нем отражены экзистенциальные поиски автора, попытки самоопределения через вещи, окружающего его, через глубокую связь с философией искусства, во многом вдохновленный практиками художников неформального искусства. 

Герман Селивёрстович Метелёв родился 21 февраля 1938 года в Свердловске. 

С 1952 по 1957 годы учился в Свердловском художественном училище им. И. Д. Шадра. После окончания училища сразу поступил в Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина в Ленинграде, окончил в 1963 году. С 1964 по 1966 годы жил и работал в Ленинграде в творческой мастерской под руководством своего учителя Виктора Орешникова, наследника традиций петербургской живописной школы.

На рубеже 1960–1970-х годов, сознательно отказавшись от принципов соцреализма, работал в эклектичном стиле, где смешивались различные исторические стили. С 1964 года участник городских, областных, зональных, региональных отечественных и международных выставок. В 1967 году вернулся в Свердловск и сразу же оказался в центре художественной жизни города.

Тема природы была одной программных для художника. Его городские пейзажи наполнены борьбой естественных форм с преобразованиями человека, наполненными индустриальной строгостью, сухостью рационального ума («Весна» 1969; «Мой Свердловск. Метеогорка», 1968). Наивная легкость по отношению к живому и суровый, почти грубый стиль в изображении города создавали конфликт. 

Универсального художника друзья, коллеги ласково называли «уральским Леонардо». Работал в разных жанрах – индустриальные сюжеты, исторические картины, бытовой жанр, натюрморт, аллегории. В последних создал собственный ряд персонажей. Форма притчи и иносказания позволяли переносить вечные сюжеты в условия современности. Так, выбрав образ кентавра одним из автобиографических в своем творчестве, в разных сюжетах художник добавляет его (серия «Сказания о кентавре Хироне», 1990). 

На протяжении всей жизни находился в глубокой депрессии. В особенно тяжелый период, переживая сложные чувства, обратился к теме веры и создал большие циклы на евангельскую тематику. Выбирая наиболее психологически острые библейские сюжеты, Герман Метелев создавал драматическую по колориту и сложную, порой перегруженную, по композиции живопись.  Например, его произведение «Чтобы руки были чистыми» (1991-1993). 

С конца 1980-х вслед за своим другом Геннадием Мосиным стал жить приезжать в деревню Волыны. Вскоре решил там остаться. Волыны в эти годы стали точкой притяжения свердлоских и других уральских художников. Авторы собирались в поездки на пленэр, покупли землю и строили дачи, навещали друг друга, устраивали вечера музыки и поэзии. 

Часто в сюжетных картинах Метелева преобладал театр. В своем доме в деревне Волыны из бросового металла художник создавал скульптуры, в создании которых использовал ржавые гвозди и другие предметы быта. 

В 2003 году получил звание Заслуженного художника России. 

Работы находятся в музеях Екатеринбурга, Челябинска, Читы, Владивостока, Оренбурга, Перми, Кургана, а также в частных коллекциях Швейцарии и Чехословакии.

Умер 12 мая  2006 года в Екатеринбурге. Похоронен в деревне Волыны. 

ЯРКИЕ АВТОРЫ 1970-1980-Х ГГ.

В 1970-1980-е годы на Урале, в его центральных точках – Свердловске, Челябинске, Оренбурге, Уфе, Перми, Нижнем Тагиле, – активно развивалась художественная жизнь, появились новые авторы, объединения, имена. Именно с этого периода особенно сложно фиксировать развитие уральского искусства «в лицах» – динамика художественной сцены возросла, появились новые творческие подходы. Именно эти два десятилетия положили начало формированиям современным художественным практикам, экспериментам с жанрами, открытием новых возможностей междисциплинарных практик искусства. При этом, все же выделяя лидеров периода нельзя не отметить их разный характер. Художник-монументалист Анатолий Калашников, близкий кругу мэтров уральского искусства, неоднократно посещавший деревню Волыны и другие важные точки для уральского художетсвенного сообщества рубежа 1960-1970-х годов, был продолжателем линии индивидуалистов. Искал вдохновение в суровом уральском стиле, индустриальном пейзаже, лепке форм и композиции при помощи объема и контрастов. Вениамин Степанов – уральский постмодернист, художник-интеллектуал, мастер графического стиля в живописи. Лаконичен, тонок, использует дизайнерский подход в искусстве, придавая формалистким исканиям свежее течение. Наконец, Валерий Дьяченко – лидер неформальных объединений «Уктусская школа» и «Сурикова, 31», первый уральский концептуалист, добавивший в собственное творчество поэзию. Эти художники яркие авторы периода, в творчестве которых были важны не только произведения, но и тенденции, из которых потом вырастет современное уральское искусство 1990-х годов.

Валерий Дьяченко (род. 1939) — лидер «неформального искусства» в Свердловске

Валерий Дьяченко – важный феномен интеллектуального уральского искусства, по мнению искусствоведа Татьяны Жумати, создавший первое концептуальное произведение в Советском Союзе, живописное полотно «Чье это облако?» (1967). По первому образованию физик-инженер, творческий путь начнет только в начале 1960-х годов в студии Николая Чеснокова. Большое значение в творчестве художника занимают не только живописные работы, но и стихотворения. Игра слов и смыслов, легкость в подаче, философский взгляд на явления быта советского человека – все это помогло художнику выработать собственный уникальный подчерк. Ирония в сочетании с серьезной критикой режима стали главными чертами творчества Дьяченко. 

Валерий Фёдорович Дьяченко родился 14 июня 1939 года в городе Каменск-Уральский. С 1955 по 1961 годы учился в Уральском Политехническом институте на радиотехническом факультете. В конце 1961 года работал в Институте физики металлов в Свердловске. Позднее, в 1962–1963 годы, работал по распределению на радиозаводе в городе Касли в должности инженера; в Дагестанском филиале АН СССР в городе Махачкала в должности младшего научного сотрудника; на заводе № 320 в должности инженера. 

Начал свой творческий путь в 1963 году в студии художника Николая Чеснокова во Дворце Культуры железнодорожников. Там познакомился с Феликсом Волосенковым. Годом позднее в этой же студии познакомился с Анной Таршис, Сергеем Сиговым (Сигеем), с Евгением Арбеневым, Александром Галамагой. Вместе они создали первое неформальное художественное объединение на Урале – группу «Уктусская школа». 

С 1965 года совместно с Анной Таршис начали издавать одноэкземплярный журнал «Номер». 

С 1964 по 1969 годы работал в Уральском филиале Всероссийского научно-исследовательского института технической эстетики (ВНИИТЭ) в должности инженера-конструктора, руководителя Отдела комплексного проектирования предметной среды, Отдела экспериментального проектирования и на других должностях. Параллельно, с 1967 по 1969 год, учился в аспирантуре МГУ на философском факультете, кафедре эстетики. 

В 1968 году написал письмо «О структуре художественно-конструкторских организаций», которое подписали сотрудники филиала и разослали в центральные инстанции, такие как: ЦК КППС, Госкомитет по науке и технике, ВНИИТЭ, СХ СССР и другие. В 1969–1970 годы – выход из филиала ВНИИТЭ с группой единомышленников. Работа в местном отделении Художественного фонда. Создание альтернативного «Дизайн-центра» – одного из первых «подвалов» художников-неформалов в Свердловске.

В 1972 собрался первый конгресс «Уктусской школы», в котором участвовали Валерий Дьяченко, Анна Таршис, Сергей Сигей. В 1970-е годы совершал поездки в Дом творчества «Сенеж», участвовал в работе Центральной учебно-экспериментальной студии художественного проектирования, руководимой Евгением Розенблюмом. 

Работал в области книжной графики в Средне-Уральском книжном издательстве. 

Во второй половине 1970-х годов работал в экспериментальном студенческом театре-студии Леонида Анисимова в Уральском государственном университете, который позднее был преобразован в Театр Драмы и комедии при УрГУ, в должности художника-оформителя. Занимался сценографией таких спектаклей, как «Рождение человека» (по рассказу А.М. Горького «Страсти — мордасти»), «Иуда Искариот» (по повести Л. Андреева), «Свет солнца, свет Луны» и др. В 1979 году по приглашению Олега Ефремова театр показал свои спектакли на малой сцене МХАТа. 

В 1974–1977 годы выполнил ряд монументальных работ совместно с Виктором Кикиным, А. Агеевым, Виктором Гардтом, Виктором Малиновым, Александром Свинкиным. Расписал церковь в Красноуфимске. 

С 1978 по 1980 годы преподавал в областной «Школе художников-оформителей». 

В 1987 году участвовал в организации совместно с Виктором Гончаровым первой экспериментальной художественной выставки в Дворце Культуры Ленинского района по адресу: ул. Сурикова, 31. После, в этом же году, участвовал в создании творческого объединения «Сурикова, 31», занял пост председателя объединения.

С 1988 по лето 1989 годов участвовал в деятельности выставочного объединения «Станции вольных почт» (ул. Ленина, 11). 

С 1990 по 1998 годы работал над созданием икон, монументальных росписей для храмов Верхотурья. Участвовал в росписи Верхотурского Свято-Николаевского монастыря, в восстановлении иконостасов Преображенского храма. Позже работал в Голландии для РПЦ.

В 1988 году состоялась выставка в Свердловском музее изобразительных искусств, а в 1990 году первая персональная выставка в здании Горисполкома в приемной Кудрина. В 2007 году выставка  в честь 20-летия «Сурикова, 31» в Центре современной культуры УрФУ, а в 2015 году «Уктусская школа (1964–1974): кодируя изменения в ЦСК». В 2016 году открылась выставка «Нонконформизм как точка отсчета» в Ельцин-центре, а в 2017 участие в большой ретроспективной выставке «Приручая Пустоту. 50 лет современного искусства Урала в ГЦСИ». Последняя выставка с участием художника была выставка 30-летия «Сурикова, 31» в Центре развития уральского дизайна. 

Живет и работает в Екатеринбурге. 

Переосмысляя русский авангард: творчество Вениамина Степанова (род. 1941)

Основные виды творчества – графика, живопись, монументальное искусство, дизайн. Выполнил ряд заказов по оформлению общественных зданий, метро, жилой среды в творческом сотрудничестве с архитекторами, строителями, мастерами-исполнителями. Участник городских, областных, зональных, республиканских, всесоюзных и зарубежных выставок.

Вениамин Арсентьевич Степанов родился 28 февраля 1941 года в селе Красногорское в Удмуртии. 

В 1963 году окончил Уральское училище прикладных искусств в Нижнем Тагиле. С 1964 года живет и работает в Свердловске (Екатеринбурге). В 1964 году работал в Специальном художественно-конструкторском бюро (в дальнейшем – ВНИИТЭ).  В 1968-1970 годы – участник семинарских занятий в Центральной экспериментальной студии Союза художников СССР в Сенеже. В 1993-1997 годы – секретарь екатеринбургского отделения Союза художников России.

Работы художника хранятся в музеях Екатеринбурга, Ирбита, Перми, Кургана, Ижевска, Барнаула, Читы, Челябинска, Красноярска, а также в частных собраниях США, Франции, Венгрии, Австрии, Италии, Чехии, Израиле, России и др. Вениамин Степанов – художник, график. Член Союза художников России (с 1970 года). Учредитель и президент Общественного фонда «Творческий союз деятелей культуры», занимающегося вопросами развития культурной и творческой деятельности на территории Екатеринбурга и Свердловской области.

Лауреат премии Губернатора Свердловской области за выдающиеся достижения в области литературы и искусства 2009 года за серию графических работ «Мода как стихия» и «Автопортреты. Реинкарнация в искусстве». Работает в графике, живописи, монументальном искусстве, дизайне. Выполнил ряд проектов оформления общественных зданий совместно с художниками, архитекторами. 

Художник-монументалист Анатолий Александрович Калашников (1947-2012)

Анатолий Калашников родился 30 апреля 1947 года в Свердловске. С 1966 по 1970 г. учился на живописно-педагогическом отделении Свердловского художественного училища им. Шадра. Дипломная работа – «Летний день».  В 1970-х годах занимался оформлением общественных зданий – Дворца молодёжи, цирка.

В 1980-е годы преподавал композицию и живопись в этом же училище.

С 1980 года – член Союза художников России. 

Лауреат премии им. Г.С. Мосина. 

Автор известного проекта монументально-декоративной росписи «Перегон скота в штате Монтана», высоко оценённый гениальным скульптором Э. Неизвестным. Это эпохальное полотно поражает воображение как размерами (2х8 метров), так и плотностью и фактурностью изображённых кистью мастера событий. Проект задуман в размерах 10х100 м. Работа над картиной продолжалась 10 лет с 1989 по 1990 гг.

А. Калашников плодотворно сотрудничает с известным художником – М. Брусиловским. Результат их двухлетнего совместного творчества – 5 гигантских полотен, экспонирующихся на выставке «Карнавал», проходившей в Екатеринбургском музее изобразительных искусств весной 2007 года: «Приглашение на прогулку», «Карнавал в Венеции», «Палаццо Вендрамин-Калерджи в Венеции», «Бахчисарайский фонтан», «Вид на старинный мост Риальто и Гранд-канал». В этих произведениях художники отталкивались от венецианской живописи XVI века. Картины насыщены пластическими цитатами классического итальянского искусства.

Параллельно с «открытием Америки» художник открывал другой удивительный мир, силой воображения создал свою страну – Внутреннюю Монголию, воплотившуюся в альбоме «Страна Тэмуджина». За серию этих живописных работ А.А. Калашников награждён в 2007 г. премией губернатора Свердловской области. Около 100 работ открывают удивительный мир Великой стены, страну Чингисхана (Тэмуджина), полководцев, жён-красавиц, играющих детей, монгольских лошадей.

Умер в 2012 году.

НАЧАЛО СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА НА УРАЛЕ С 1990-Х ПО 2010-Е ГГ. 

Панк-скоморох Старик Б. У. Кашкин (1938-2005)

Старик Б. У. Кашкин – один из самых известных на сегодняшний день брендов уральского искусства. Если разобрать творчество художника на тэги, то можно составлять целый словарь: варёнки, иконопластика, фотокниги, «Теория помойки», «Кашкинская книга», «Система Обучения Кашкина», Antialkogolnye plakatы, Морально-бытовые досочки, Общество «Картинник», «Азбука и стены», «Народные дворники России», «Der Бук», «Скромная книга», SMS-поэзия. Активное творчество начал с экспериментов с фотографией в частности, варил пленку, что приводило к очень неожиданным эффектам). Своими опытами он предвосхитил появление т. н. ломографии, однако шел в своих поисках гораздо глубже, отбрасывая нарративность и изобразительность фотографии.

Настоящее имя Старика Б. У. Кашкина – Евгений Михайлович Малахин. 

Евгений Малахин родился 16 сентября 1938 года в Иркутске.

Получил высшее образование в Ижевске, окончив Ижевский механический институт. 

В 1961 году переехал в Свердловск. Окончил университет по специальности «инженер-энергетик». Работал старшим инженером электроцеха предприятия «Уралтехэнерго», где его называли «Старший гений».

В центре Свердловска в подвале дома № 5 по улице Толмачёва у него была мастерская, названная в народе «букашником».

 Увлекся тем, что начал писать иконы, используя для этого половые эмали, после начал вырезать иконы из дерева, в которых пластические характеристики формы традиционной иконы преобразовывались в полуабстрактные иконные рельефы. 

Он первым начал пропагандировать в Свердловске (Екатеринбурге) «современное народное искусство» — занимался росписью бетонных заборов, мусорных контейнеров, со временем — специально предназначенных для граффити стен в городе. Выработал т. н. «теорию помойки» — согласно которой любой мусор может рассматриваться как художественное произведение, получившееся наиболее естественным путём (и само его искусство зачастую делалось из мусора и в мусор же возвращалось, так как нигде не выставлялось).

Его начали называть самым экстравагантным екатеринбургским художником. Он писал стихотворения и прозу, писал картины. Позже ему понравилась идея антиалкогольных плакатов. Он был также и скоморохом. Через некоторое время «Женю-художника» стали приглашать украшать город, публиковаться в журналах, газетах. В 1989 году создал вместе с друзьями свободное художественное общество «Картинник». Это сообщество молниеносно приобрело союзную известность и «Картинников» буквально засыпали приглашениями на фестивали.

Общество «Картинник», кроме художественной работы, занималось также и музыкальной деятельностью, исполняя абсурдные песни частушечного формата с некоторым уклоном в бытовую тематику. Музыкальные труды «Картинника» были зафиксированы в единственном магнитоальбоме (точнее — его подобии) «Поём & плачем. Последние хиты».

Благодаря регулярным поездкам в Одессу подружился с одесскими художниками-авангардистами. Как следствие этой дружбы, в Екатеринбурге оказалась уникальная коллекция художников одесского андеграунда. 

В 1990—1992 годах его холстом стал весь город — гаражи, бетонные заборы. Эти творения в большей своей части не сохранились. Осталась «Тропа Букашкина» во дворе дома по ул. Ленина 5, росписи на которой Администрацией Екатеринбурга признаны в 2009 культурной ценностью. В 2001 году работал над проектом «Я памятник тебе воздвиг».

Умер 13 марта 2005 года в Екатеринбурге от осложнений после тяжелой формы астмы. Похоронен в Екатеринбурге на Широкореченском кладбище.

«Музей простого искусства» Олега Елового (1967-2001)

Олег Еловой – российский художник, директор, инициатор и создатель «Музея простого искусства Урала и Сибири». Работал в технике неопримитивизма, позднее занимался инсталляциями и перформативными актами. Один из ключевых художников Екатеринбурга 1990-х годов. Занимался живописью, участвовал в акциях и перформансах, создавал инсталляции и кинетические объекты, инициировал выставочные проекты. Создал вокруг своей мастерской круг единомышленников и соратников. 

Олег Евгеньевич Еловой родился 18 мая 1967 в городе Иланский, Иланский район, Красноярский край, РСФСР, СССР. 

«Сибирский клуб» – неформальное объединение художников-выходцев из Сибири, основанное в начале 1990-х годов Юрием Потаповым и Олегом Николаенко. Культурные связи между регионами и городами укреплялись обменными выставками, резиденциями. Мастерская Елового в Екатеринбурге стала своего рода базой для пересечения и встречи сибирских художников. 

В 1989 году окончил отделение дизайна Свердловского архитектурного института.

Арт-группа «Басик» была создана студентами архитектурного института Александром Голиздриным, Эдуардом Игнатьевым, Андреем Козловым и Олегом Еловым в 1986 году. В конце 1980-х коллектив провел несколько перформативных акций и выставок в городской среде, также занимался интервенциями в уличное пространство. 

Участвовал в арт-объединениях «Басик» и “Eurocon”. Принимал участие в масштабных выставках “Eurocon-96” и «Post-ВДНХ». 

Создал «Музей простого искусства Урала и Сибири», известный в арт-кругах как «Дача Елового». Этот музей негласно заменил собой галерею “Eurocon” после её закрытия. Широкую известность Музей простого искусства Урала и Сибири приобрел после серии открытых конкурсов простого ювелирного искусства – «Мастер-гвоздь» (1997), «Ложка дальше» (1998), «Искусственная банка» (1999) – которые осуществлялись при информационной и финансовой поддержке Телевизионного агентства Урала (ТАУ). Организовал три екатеринбургских конкурса ювелирных изделий: сначала из гвоздей («Мастер гвоздь», 1997), затем из столовых ложек («Ложка дальше», 1998) и, наконец, из консервных банок из-под тушёнки («Искусственная банка», 1999).

К началу 1990-х все участники группы «Басик» занялись самостоятельной художественной карьерой. Олег Еловой всерьез обратился к живописи. Стратегию своего творчества он назвал «простое искусство». Опирался на опыт авангарда и модернизма, народную, доклассическую традицию, а также наивное и примитивное искусство самоучек. 

Весной 2001 года отправился во Францию для подготовки новой выставки. 24 апреля 2001 года он скоропостижно скончался в Ницце. Похоронен на Широкореченском кладбище Екатеринбурга.

Союз хороших художников – спонтанное объединение, в состав которого вошли Олег Еловой, Сергей Лаушкин и Виктор Давыдлв. В противовес официальному номенклатурному Союзу советских художников это группа строилась исключительно на горизонтальных дружеских отношениях.

Выставочный опыт: «Персональная выставка Олега Елового» (2014). Галерея «Антонов», Екатеринбург. «Возвращение». Галерея «ОкNо» (2010), Челябинск. «Привет, Олежка!» (2007) Архивная копия от 14 июля 2014 на Wayback Machine выставка Олега Елового и Виктора Давыдова, Екатеринбургская галерея современного искусства Выставка коллекции картин «Музея простого искусства Урала и Сибири» (2004), Галерея Одоевского, Екатеринбург.  «Просто живопись» (2003). Выставка коллекции картин «Музея простого искусства Урала и Сибири». «Еловой» (2002). Екатеринбургский музей изобразительного искусства, Екатеринбург. «Переселение художника» (2001) (совм. с Д. Куниловым), Музей молодёжи, Екатеринбург. «На границе» (2001 ). Галерея «Капитал», Екатеринбург.  «Олег Еловой» (2001). Галерея Simposion, Париж. «Совместное» 2001 (совм. с А. Росси). Музей молодёжи, Екатеринбург. «Доски» 1999 (совм. с Сайфулин, Альберт). Екатеринбург.  «Еловой — наш художник» 1997 . Белая галерея, Екатеринбург. «Новые русские ангелы» 1997  (совм. с В. Мизиным). Quai de la Gare, Париж. «Просто живопись» 1994. Музей молодёжи, Екатеринбург.

Олег Еловой и многие другие художники его поколения активно осваивали новые инструменты и формы художественной выразительности. В 1990-е годы в уральском искусстве большое распространение получает перформанс и акционизм. В 1990-е годы открываются границы и налаживаются международные художественные контакты. Одним из масштабных и значимых проектов этого десятилетия стал “Eurokon. Экологический арт-мост”, состоявшийся летом 1996 года при участии европейских и российских современных художников. Одним из значимых эффектов Eurokon’а стало появление в Екатеринбурге одноименной галереи современного искусства под кураторским руководством Александра Голиздрина. Галерея «Еврокон» просуществовала пару лет, на ее площадке проходили экспериментальные выставки и презентровались самые провокативные перформансы 1990-х. 

Выставка «Post-ВДНХ» прошла в Екатеринбурге в 1997 году и стала самым ярким и запоминающимся событием десятилетия. Участники проекат Александр Голиздрин, Вячеслав Мизин, Олег Еловой, Дмитрий Булныгин и Александр Шабуров создали в музейных залах тотальную инсталляцию из товаров потребления. Каждый вечер работы выставки на экспозиции устраивались перформансы и мероприятия для публики. «Post-ВДНХ» – один из первых выходов современного искусства к широкой зрительской аудитории. 

Мастерская Олега Елового (или «Дача Елового») располагалась в сквотированном деревянном доме в центре Екатеринбурга по адресу ул. Октябрьской революции, 32. На протяжении 1990-х служила точкой притяжения художественного сообщества, местом силы для Елового и его окружения. В начале 2000-х художник оказался на грани выселения. Акция «Переселение художника». После смерти Елового дом обветшал, пережил несколько поджогов. 

Умер 24 апреля 2001 года в Ницце во Франции.

Вверх по ступенькам: искусство Сергея Лаушкина (род. 1953) 

Художник, автор живописных работ, инсталляций, объектов, произведений видео- и паблик-арта.

Сергей Лаушкин родился в 1953 году в селе Преображенка (Оренбургская область).

Окончил Чебоксарское художественное училище. Проходил стажировку в резиденции «Лихтенберг студии» (Берлин, 2014) и в резиденции галереи «2025» (Гамбург, Германия, 2018). Исследования ступенчатого ритма начал со скульптуры, в 2015 году занялся и живописным осмыслением этого феномена — от плавных форм пришел к прямой ступенчатой ритмике и условности образа, в котором, тем не менее, с легкостью угадывается человеческая фигура.

Практика посвящена освоению «ступенчатых пространств» в живописи — именно ритму ступеней, по мнению художника, соответствует природный ритм развития человека. Лаушкин концентрируется на создании произведений, отражающих внутренние личные или социальные изменения человека, города, страны, его паблик-арт-работы — прямой отклик на происходящее с городом, где эти работы представлены. Один из организаторов «Союза хороших художников» (Екатеринбург, 1996).

С начала выставочной деятельности в 1996 году прошло около 100 персональных выставок в галереях Москвы, Санкт-Петербурга, Екатеринбурга и за рубежом. В 2010-х состоялись персональные выставки: «Х.М. в квадрате» (Художественная галерея Фонда поколений «ХМАО», Ханты-Мансийск, 2010), «Точка схода» (галерея X-MAX, Уфа, 2010), «Миф о Zone ступеней. Сергей Лаушкин» (галерея «Антонов», Екатеринбург, 2015), «Ступенчатые ритмы» (Ельцин Центр, Екатеринбург, 2018), «Двое делают один шаг» (Sinara Art Gallery, Екатеринбург, 2020).

Участник Академической передвижной выставки «Урал» (Уфа, Челябинск, Екатеринбург, Сургут, Нижневартовск, Ханты-Мансийск, Санкт-Петербург, 2004–2005), выставок «Город: Прогноз художника» (Фонд «Культурный транзит», Екатеринбург, 2012), «По пути: Берлин — Екатеринбург» (Фонд «Культурный транзит», Екатеринбург, 2013), «На другой стороне» (Галерея уличного искусства «Свитер», Екатеринбург, 2014), «На краю Европы» (Музей современного искусства Эрарта, Санкт-Петербург, 2015), «Парное катание» (Уральский филиал Государственного центра современного искусства, Екатеринбург, 2015), «Открытые системы» (Уральский филиал Государственного центра современного искусства, Екатеринбург, 2016), «Приручая Пустоту» (Государственный музейно-выставочный центр РОСИЗО, Москва, 2017), «Искусство в воображаемом будущем» (Уральский филиал Государственного центра современного искусства, Екатеринбург, 2019–2020), а также Триеннале российского современного искусства (Музей современного искусства «Гараж», Москва, 2020).

Работы находятся в собраниях Екатеринбургского музея изобразительных искусств, Музея истории Екатеринбурга, Музея нонконформистского искусства (Санкт-Петербург), Нижнетагильского муниципального музея изобразительных искусств, Новосибирского государственного художественного музея, Томского областного художественного музея, Чувашского государственного художественного музея (Чебоксары), Sinara Art Gallery (Екатеринбург) и др.

Живет и работает в Екатеринбурге.